近日，隨著三級警戒的提高，台灣的展覽場所也因此被迫關閉，不僅表演節目取消，展覽也隨之停止展出或延期。許多正在進行創作計畫的藝術家，也因此需要重新思考創作與展演策略，其中「她的實驗室空間集」就策劃了一個虛擬的旅遊行程，結合藝術史、社會史、新聞事件與地方傳說等內容，建構一個與歷史脈絡緊扣的旅行世界觀。 閱讀全文 活在虛擬世界 ——關於曹斐與「她的實驗室空間集」的作品
作者：CHUANG
疾病的隱喻及其在藝術中的形象
瘟疫與死亡的描繪
歐洲大陸在14世紀時因黑死病（鼠疫）肆虐，致使人口銳減近三分之一，這個史上第一個動搖人類文明的疾病，其影響之大，改變了既有的封建國家經濟與社會面貌，被部分歷史學者認為是催生西方當代社會與文明的原因之一。而中世紀的文學家、畫家也曾有不少作品以黑死病為靈感，在平面作品中最常出現的主題就是「死亡之舞」（the dance of death）。這一類主題除了受黑死病爆發所影響，也與中世紀出現的舞蹈狂熱（Dacing Mania）風潮相關。「死亡之舞」的內容呈現出中世紀人們普遍的悲觀性格，以及對死亡的恐懼。這類主題最先出現在教堂壁畫中，並與宗教題旨結合，擴大成為具有勸世與教化的意涵，如把握當下、珍惜生命等。 閱讀全文 疾病的隱喻及其在藝術中的形象
揭示本然的存在——葉竹盛的繪畫藝術
如果世界上沒有任何神性與魔性的事物存在的話，我們也無法透過藝術來表現生命的現象：藝術最深切的功能，在於表現這種生存性的挫折。－－羅斯科
葉竹盛的創作，向來與探索內在以及人與環境之間的關係有緊密關聯。2021年，他於本事藝術的個展「2012；2021」，立基在重回過往的創作現場－－九年前曾是工作室的地點，在遭受祝融之災後改建成為商業大廈。這樣的「重返」不僅意味著縫補創作上的斷裂點，也是一次重新檢視生命如何能以藝術銘刻的契機。 閱讀全文 揭示本然的存在——葉竹盛的繪畫藝術
殘片修辭學——劉時棟繪畫中的影像團塊
首先假設——形象以某種方式成為意義的極限，它允許考慮表意過程實在的本體論。意義如何進入了形象？終止於何處？如果終止了，終點以外是什麼？——羅蘭‧巴特（Roland Barthes）
在劉時棟的作品中，一眼望去有幾個特徵是極容易辨認的，比如使用從印刷物如報章雜誌、畫冊圖錄所剪下來的圖象，比如揉合拼貼與繪畫的創作手法，以及使用白色、綠色為繪畫基底的形式等。他的拼貼繪畫有著自成一格的系統，在看來平面的、繽紛豐富的圖象中，劉時棟有如點石成金的造物之神，透過組合不同圖象與獨特的剪輯技巧，在每一幅作品創造出有如大都會般錯綜複雜的地圖，或是某種神秘的象徵系統。那些系統有些極容易辨認，有些有如潛伏在城市中的地鐵——隧道連著隧道、一站接著一站將這個地方到另個地方串聯起來，形構出一個獨一無二的、無盡纏繞的小行星。 閱讀全文 殘片修辭學——劉時棟繪畫中的影像團塊
重演的力量：探索操演的能動性——「展演現場」策展論述
操演（performativity）的概念主要是來自於性別與後殖民理論。其實最初在策劃Re:Play的時候，我個人有很大的興趣，想要透過live art的形式多觸及性別議題。2018年由王俊傑（現北美館館長）所策劃的「再基地：當實驗成為態度」一展時，邀請明日和合創作《林愛國招募計畫》，其實可視為性別操演概念最貼切的演繹。（也因為明日和合已經先於之前的年度展覽合作過，再三考量下，只能忍痛從名單上跳過…）
由於Re:Play為C-LAB年度展覽，且原本肩負著和performa合作的使命，所以性別議題的討論只能縮減為一小部分。不過很幸運的，在時任執行長賴香伶的建議下，展演現場也邀請了韓國藝術家鄭恩瑛的作品《遞延劇場》展出。她的作品也正好是從韓國傳統女性國劇的角度，從反串（扮裝）探討性別操演的概念。
雖然還不知道畫冊到底什麼時候能夠販售，不過就先把展演現場的論述貼在這。也算是交代一下我對「Re:Play 操／演現場」的想法。 閱讀全文 重演的力量：探索操演的能動性——「展演現場」策展論述
關於女性與藝術的幾個思考
近日新聞報導，北一女中的學生在114年校慶的園遊會上，主打｢女高中生陪聊」，以每十分鐘45元做為收費標準擺攤。雖然這件事情在媒體上很快就失去熱度，但在我的同溫層仍掀起關於女性如何被物化與被凝視的討論。這些論點大抵和女性的身分如何被看待，以及大眾如何習於將女性套入某種固定而刻版的框架相關。儘管這樣的談論方式聽起來已經熟爛，但令人感到無奈的是，當談論女性主義被認為是老舊而陳腔濫調的同時，女性被凝視的方式，在過去廿年間並沒有太大的改變。而女性在創作中，特別是視覺藝術，較少討論自身的處境，這與其所處的環境以及被框定的意識型態不無關係。但在討論這件事情前，我想舉近期幾個以女性藝術為命題的展覽，先看看這些作品所關注的面向是如何對照女性藝術在當代的景況。 閱讀全文 關於女性與藝術的幾個思考
建立屬於台灣當代藝術的關鍵字資料庫
台灣的當代藝術是否有可能透過關鍵字的研究與疊加，梳理出屬於屬於自己的脈絡呢？近年，由清華大學藝術與設計學系主辦、清華大學藝設系助理教授張晴文、清華大學藝設系教授吳宇棠以及高師大美術系助理教授簡子傑三人共同組成的計畫團隊，提出「2000年以降台灣當代藝術關鍵詞研究計畫」，旨在促進台灣當代藝術研究，期待能夠透過一系列的討論，歸納整理台灣當代藝術的發展節點，以及落實相關的學術討論。同一時間，社團法人台灣視覺藝術協會（簡稱視盟）建置「台灣當代藝術資料庫」多年，近期由東海大學美術系助理教授蔡明君擔任共同主持人，依照年代與相關事件發生的時序，梳理出與台灣當代藝術相關的關鍵字。在今年，兩個關鍵字計畫共同合作，舉辦工作坊，邀請專家學者共同參與，就目前台灣當代藝術之發展提供建議，而雖然此計畫看似剛起步，但也在漸次的累積中慢慢地為台灣當代藝術變貌整理出一條在地的脈絡。 閱讀全文 建立屬於台灣當代藝術的關鍵字資料庫
限量、參與式的現場藝術
在北美館於今年暑假推出的展覽「藍天之下：我們時代的精神狀況」，其中一件作品〈新！王冠度假村〉，靈感來自於今年COVID-19疫情爆發以來，已然成為新日常的隔離生活狀態。創作者將防疫旅館的概念挪移至美術館展場，這個集合飯店、遊輪、方艙、避難所、療養院等多重空間意象的複合式度假村，邀請觀眾親身入住，在近兩個小時的時間內，體驗在隔離的狀態中看表演（同時也被觀看）的經驗。由於作品中的五個房間，每日只各邀請一位觀眾入住，換句話說，絕大多數的觀眾並不知道《新！王冠度假村》的內容是什麼，而即便曾經入住的觀眾也不可能知道其他四間房間的演出。亦即，這是一個沒有觀眾知道全貌的作品。 閱讀全文 限量、參與式的現場藝術
抄襲、模仿與諧擬——抄襲可以做為藝術觀念的展現嗎？
近日台灣藝壇關於作品抄襲的討論沸沸揚揚，原定要於國立台灣美術館藝術銀行「在瘟疫的天空下」展出的作品《圍牆另一端》，因被指控抄襲中國的攝影作品《騎牆》，而引起爭議。這起風波，也使得藝術史中層出不窮、關於抄襲的相關概念，在網路上受到熱烈討論。 閱讀全文 抄襲、模仿與諧擬——抄襲可以做為藝術觀念的展現嗎？
離形去知：郭旭達的藝術創作
造形，是藝術家——特別是雕塑家永遠的課題。
每次觀看郭旭達的創作，總是很難想像這些充滿現代感、蘊藏豐厚內涵的作品，是出自於一位久居紐約的藝術家之手，因為我們總是對紐約的前衛和當代性充滿各種想像，可郭旭達的創作則是與之相反，他不講求觀念的大鳴大放，而是以內斂沉穩的氣質在每件作品構築安靜自得的宇宙。郭旭達以最低限的方式表現造形，在造形之內融合豐富的精神性，這大概是多數觀眾最能心領神會的特質。 閱讀全文 離形去知：郭旭達的藝術創作